Os dois se conheceram em 1967. Patti havia chegado à cidade com o desejo de ser artista e poeta; Robert estudava arte e experimentava diferentes possibilidades. O encontro acontece antes de qualquer definição profissional. Eles ainda estavam descobrindo quem seriam.

Fotografia de Robert Mapplethorpe e Patti Smith, feita em Coney Island, em 1969, para a capa do livro Just Kids, publicado no Brasil como Só Garotos.

Just Kids acompanha esse momento de formação e mostra uma relação que ultrapassa o romance. Patti e Robert dividiam pouco dinheiro, pequenos quartos, trabalhos ocasionais e, principalmente, a convicção de que a arte deveria ocupar um lugar central em suas vidas.

Robert ainda não era o fotógrafo que conhecemos. Sua produção passava pelo desenho, pela pintura, pela colagem e pela experimentação com diferentes materiais. A fotografia surgiria aos poucos, primeiro relacionada às suas colagens e, depois, como uma possibilidade de linguagem própria. Em 1970, com uma câmera Polaroid, ele começa a desenvolver uma prática que ganharia cada vez mais importância.

Patti acompanha esse processo de perto. Ela também estava construindo seu próprio caminho, entre a poesia, o desenho e a performance. Os dois se observavam, trocavam ideias e acompanhavam o trabalho um do outro. Não era uma parceria artística convencional, mas existia entre eles uma forma de cumplicidade fundamental: a presença de alguém que acredita naquilo que você ainda está tentando fazer existir.

A partir de 1969, o Hotel Chelsea passa a fazer parte dessa história. O endereço reunia artistas, escritores e músicos e colocava os dois em contato ainda mais próximo com a cena cultural de Nova York. Mas, antes de estarem inseridos nesse universo, havia o cotidiano de quem ainda precisava descobrir como viver de arte.

Eles frequentavam exposições, livrarias, clubes e os lugares onde circulavam artistas. Robert desenhava e fazia colagens; Patti escrevia. Gastavam o pouco que tinham com livros, materiais e experiências que alimentavam seus trabalhos. A cidade funcionava como um campo de descobertas, mas o mais importante estava acontecendo entre eles: cada um começava a reconhecer no outro uma vocação.

A relação também se transformou. O romance dos primeiros anos deu lugar a uma amizade profunda, que permaneceu mesmo quando os caminhos profissionais e afetivos dos dois seguiram direções diferentes. Patti tornou-se poeta, performer e, depois, uma das figuras fundamentais do rock; Robert encontrou na fotografia o meio para desenvolver sua pesquisa artística.

É nesse ponto que Just Kids se torna especialmente interessante para pensar Mapplethorpe: o livro mostra o artista antes da obra conhecida.

Antes das fotografias de corpos, flores e retratos que definiriam sua produção, havia um jovem experimentando materiais, colecionando referências e procurando uma linguagem. Nada estava pronto. A fotografia ainda era uma descoberta, e sua identidade como artista estava sendo construída no contato com outras pessoas, com a cidade e com as experiências daquele período.

Patti Smith escreve a história muitos anos depois, mas escolhe retornar justamente a esse momento em que o futuro ainda estava aberto. Robert era Robert, Patti ainda estava se tornando Patti, e os dois tinham pouco além de suas ambições e da disposição para levá-las adiante.

O que permanece em Just Kids é essa imagem de dois artistas no início de suas trajetórias, quando criar ainda não significava carreira, reconhecimento ou mercado. Era uma escolha de vida.

Duas fotografias que evidenciam o interesse de Robert Mapplethorpe pelo corpo integram o leilão Visões do Século XX – Coleção Internacional, da Blombô. Os trabalhos fazem parte do conjunto de obras selecionadas para o pregão e podem ser conferidos no catálogo disponível na plataforma.

Foram convidadas 101 galerias para participar da pesquisa quantitativa, refletindo a diversidade e a representatividade do mercado.

Na pesquisa podemos notar como o mercado secundário teve avanços significativos para galerias que atuam de forma híbrida, confira a seguir as estatísticas detalhadas do crescimento desse setor dentro do mercado de arte.

SP-Arte 2022 (Divulgação)

Em 2023, o mercado de arte no Brasil atingiu um valor aproximado de R$2,9 bilhões (USD 580 milhões), apresentando um aumento de 21% em comparação com o ano anterior. No entanto, esse valor ainda está 1,5% abaixo do registrado antes da pandemia, em 2019.

58% das galerias atuam no mercado primário, 7% no secundário e 36% em ambos, equilibrando novas obras e peças consagradas para diversificação e estabilidade financeira. O

mercado primário ainda é a principal fonte dereceita das galerias brasileiras, mas a participação do mercado secundário vem crescendo desde 2018.

Em 2023, 20% das galerias tiveram mais de 75% de vendas secundárias, contra 13% em 2018, indicando o amadurecimento do setor e uma tendência de consolidação.

REPRESENTATIVIDADE DO MERCADO SECUNDÁRIO NO VALOR GERAL DE
VENDAS DAS GALERIAS ASSOCIADAS À ABACT

Galerias que operam nos mercados primário e secundário faturam mais do que as que atuam em apenas um segmento. Entre elas, 37% tiveram vendas acima de R$ 15 milhões, contra apenas 8% das que operam exclusivamente no mercado primário.

Essa pesquisa foi promovida pela Associação Brasileira de Arte Contemporânea e ApexBrasil, no âmbito do projeto Latitude, e sob assessoria técnica da Act Arte.

Sobrinha de Candido Portinari pintou de pitorescas cenas do interior a enigmática Via Láctea

“O melhor da vida é você ter uma tela em branco, tempo, e ter vontade de fazer um quadro.” Assim começa nossa conversa com uma das mais versáteis artistas da atualidade. Natural de Araçatuba, interior paulista, Marysia Portinari é uma artista multifacetada que expressa sua criatividade por meio da pintura. Com a arte em seu DNA, teve sua trajetória pautada e enriquecida pela influência direta de seu tio, o renomado pintor Candido Portinari (1903-1962). “Nunca esqueci uma das primeiras lições que tive com ele. A primeira coisa que ele falou, foi: ‘quando você vai fazer um trabalho, você vê o espaço que tem e o aproveita da maneira mais certa.’” E, ao ver seus primeiros desenhos, Candido a leva para o Rio de Janeiro onde Marysia tem contato com os esboços iniciais de ‘Guerra e Paz’, um dos trabalhos mais emblemáticos de Portinari – encomendada ao artista pelo governo brasileiro que tinha Juscelino Kubitschek como presidente, à época. O objetivo era para presentear a ONU (Organização das Nações Unidas) em sua sede de Nova York, onde se encontra atualmente. “Foi inesquecível ver tudo aquilo. Lembro que era um estúdio enorme e precisava ser, afinal, o quadro era enorme”, lembra Marysia. ‘Guerra e Paz’ foi pintado entre 1952 e 1956 e é formado por dois painéis com aproximadamente 14 x 10 metros cada um.

Aluna de desenho de ninguém menos que Waldemar da Costa – professor e importante pintor modernista luso-brasileiro –, Marysia ainda estudou história da arte com Flávio Motta no Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand (MASP), em 1955, ano que pontua, de fato, o início de sua carreira, muito marcada pelos ensinamentos que teve de seu tio, do qual também foi assistente. Já em 1957, a artista expõe seus primeiros trabalhos na Galeria Prestes Maia, expandindo-se também para Lisboa e Madri no mesmo ano. Com cada vez mais interesse nas artes plásticas, a artista passou a pintar lado a lado com o tio no ateliê que ficava no terraço de seu apartamento, de frente para o mar. Ali, começou a aprender as técnicas de pintura à óleo. “Ele me orientava, porque é uma pintura que possui uma técnica muito complicada e quando você pega o jeito, aí tem que praticar muito. Então, ficava o dia inteiro, mas, tem que gostar muito do que se faz e tem que querer muito. Mas, eu sei que foi um aprendizado fantástico, porque era direto”, conta Marysia.

Cavalos, cenas do interior, lavadeiras e tantos outros temas foram dando espaço para criações cada vez mais complexas sob o olhar e traços que foram se sofisticando com o passar dos anos, até que as bucólicas imagens fossem substituídas pelas intricadas pinceladas que passaram a representar o universo. “Como eu conheço muito o interior, eu fazia cenas do interior, como os casamentos na roça e gostava muito de pintar cavalos. Não morei, mas ficava muito na fazenda. Então, essas lembranças ficaram na cabeça e eu as pintava. E, de repente, você passa de uma coisa para a outra sem perceber. Quando meus filhos nasceram eu comecei a pintar crianças brincando, brinquedos e, quando percebi, já estava retratando o universo a partir de umas revistas científicas com as quais tive contato. Naquela época só haviam as revistas, não tinha outros meios de informação tão acessíveis como temos hoje. E aquelas fotos que o telescópio Hubble fazia eram espetaculares, fiquei apaixonada. E foram essas fotos que me muito me inspiraram. Então, comecei pintar retratando o evento ‘Supernova’”, conta a artista. Vale explicar que ‘Supernova’ é uma explosão estelar poderosa e luminosa. Este evento astronômico transitório ocorre durante os últimos estágios evolutivos de uma estrela. “O Universo é incrível e inspirador por si só. Por mais que a gente saiba algo, ainda tem muita coisa para aprender”, pontua.

Marysia Portinari recebeu inúmeros prêmios ao longo de sua carreira, incluindo o prestigioso "Melhor Pintor do Ano", concedido pela TV Excelsior e pela Associação de Imprensa de São Paulo. Sua contribuição para as artes culminou em 2008 com a publicação do livro "Livro ilustrado de arte: vida e obra de Marysia Portinari: a invenção da memória", evidenciando seu impacto no cenário artístico. Aos 86 anos, segue ativa, trabalhando e criando novas obras. E finaliza: “Tem muita coisa ainda que não fiz. Vou continuar, aliás, nem comecei ainda.”

O domingo de Aleluia sinaliza a última semana de quaresma, seguido pela Sexta feira Santa e Páscoa, são datas que compõem um período que nos remete à reflexão e aos rituais religiosos.

As religiões durante séculos foram os maiores patronos das artes, sobretudo as cristãs, mas também as protestantes, a islâmica e a budista, cada uma de uma forma diferente. Como representação simbólica, a arte e as religiões andam juntas há mais tempo, podemos citar os politeístas, deuses egípcios, etruscos, romanos etc…

O cristianismo teve tanto protagonismo na história da arte, que a partir dele constituiu-se um conceito artístico - A arte sacra - que é a arte destinada aos rituais cristãos, todas as obras que encontram-se em igrejas, altares e oratórios. A arte religiosa é a arte com simbolismo religioso, mas não é necessariamente Arte Sacra.  

A partir do modernismo, muitos padrões formais construídos ao longo dos séculos anteriores na pintura e na escultura, deram lugar a novos conceitos estéticos.

A desconstrução, desapego do rigor acadêmico e novos temas passaram a fazer parte das artes visuais no Brasil. Dentre as temáticas em ascensão no modernismo, a cultura popular e o folclore passaram a ter valor como construção da cultura nacional. É deste período que encontramos grandes obras primas de arte religiosa de Brecheret, como a famosa obra de arte tumular "Sepultamento" e as belas esculturas de Madonna e São Francisco.

Com a arte moderna, a religiosidade passou a ter outro viés, mais como representação cultural do que imagem de devoção. Um exemplo claro desta virada encontramos nas madonas de Volpi. A arte naif também apresenta uma série de representações da cultura religiosa brasileira. No acervo da Blombô há uma série de novos artistas com esta temática, como Antônio Poteiro, Jocelino dos Santos .

Na arte contemporânea a multiplicidade de interpretações e representações de imagens cristãs é bastante vasta. Apresentamos algumas obras que representam esta diversidade.

Há exatamente um ano, no dia 11 de março, a Christie's estava leiloando a obra "The First 5,000 Days”, de Beeple por U$69 milhões, um fato, um ato, um marco que colocou de vez a cripto arte e o NFT no vocabulário mundial. Desde então, as agitações envolvendo tecnologia, criptografia e arte entraram em combustão. Players do mercado de arte tiveram que olhar para um mundo que não era mais o mesmo. 

Um NFT do desenho de uma pedra, vendido por R$6,7 milhões, NFT da coleção Crypto Punk vendido por U$40 milhões - questionamentos, resistência e críticas por um lado, e por outro a ironia das altas cifras sendo pagas por memes e GIF's. Dezenas de milhões de dólares em criptomoeda Ethereum destinados à cripto arte em decisões de segundos são parte do cenário megalómano e esquizofrênico do mercado atual. 

O que se pode esperar do mercado de NFTs é que para ganhar espaço no mercado de arte tradicional será imprescindível a intersecção da tecnologia com a genialidade de grandes artistas. E os últimos acontecimentos indicam que a evolução caminha neste sentido. 

As NFTs resolvem a questão da autenticidade e unicidade das obras de arte digitais, ou seja, garante que a pessoa que comprar será a única proprietária, embora nada impeça que ela seja reproduzida. 

A autenticação sempre foi um fator determinante no mercado de arte, embora a arte não se reduza a isso, há muito tempo as obras de arte se tornaram também ativos financeiros, e para isso a tokenização solucionou muitos problemas, principalmente nas artes digitais.

Plataformas de NFT 

As principais plataformas de comercialização de NFT's no mundo são : Open Sea, Superare, Nifty Gateway, Makersplace, e Artblocks. 

Cada plataforma tem suas peculiaridades, a Open Sea é a maior em volume e a ArtBlocks é especializada em arte generativa e trabalha com exibições curadas. 

No Brasil as principais são Tropix, Phonogram e Miintme. A Tropix, uma plataforma que se propõe a ser um marketplace de obras de arte digitais e, conseguiu atrair parcerias com galerias de arte contemporânea bem conceituadas como Zipper, Leme, Verve e Bianca Boeckel. A Miintme trabalha com uma diversidade maior de arte tokenizada, como música por exemplo. 

Byron Mendes é o criador da primeira agência de cripto arte no Brasil, a Metaverse Agency, parceira da Blombô nos projetos que envolvem arte digital, que juntos concretizaram o 1° leilão de NFTs do Brasil, no ano passado.  Para Byron, apesar de todo o desenvolvimento dos últimos anos, o mercado de NFT no mundo ainda está em uma fase inicial, ou seja, com um vasto campo a ser explorado. Para ele é fundamental uma maior intersecção com o campo artístico já existente: "Sempre priorizei a qualidade artística das obras em NFT. Por ser ainda um mercado inicial ainda está em um processo muito especulativo. Muita coisa ainda está mal precificada, existem projetos conceitualmente relevantes que não estão atingindo valor, e projetos ruins, com estratégias midiáticas estão sobre precificados.", destaca Byron.

Para ele, a falta de maturidade artística do mercado de NFT pode estar atrasando a entrada dos bons colecionadores no mercado - "Mas isto acontecerá de forma natural quando grandes artistas plásticos entrarem para a arte digital" - afirma Byron. 

Nos próximos dias a Metaverse estará apresentando novidades na ArtSampa que ocorre nos dias 16 a 20 de março e na SP Arte em Abril juntamente com a Blombô. 

Arte Generativa 

Um dos estilos artísticos que ganhou força na cripto arte é a Arte Generativa, sua principal característica é a randomização de padrões obedecendo a regras que evitem a intencionalidade do artista.  É necessário lembrar que antes da tecnologia, a arte generativa já havia sido criada. Entretanto com o universo de possibilidades algorítmicas advinda dos sistemas de computação, esta modalidade expandiu, e é produzida em grande parte por artistas advindos da programação. Obras que fazem expressões orgânicas com sugestão de unidade, misturando artificialidade e natureza, utilizando a liberdade de cálculo e a velocidade computacional do computador e executando a teoria obtida na ciência natural. 

Artistas para ficar de olho 

Uma das artistas brasileiras de maior propulsão se chama Monica Rizzolli alcançando o valor de R$ 28,4 milhões em uma coleção chamada Fragments of an Infinite Field em leilão na plataforma Art Blocks. A coleção formada por 1.024 peças retrata flores que mudam de acordo com a estação do ano, apresenta fenômenos específicos como pulverização de pólen, nevasca, e folhas caindo. Monica Rizzolli é artista-programadora, com participação em diversos projetos internacionais. 

Outra artista brasileira, Rejane Cantoni, levou cripto arte para um espaço institucional com a sua primeira instalação de NFT no CCBB do RJ no ano passado - chamada Floras - A arte composta por cerca de 50 animações geradas por processos algorítmicos analógicos e digitais, únicos e exclusivos. A série, um conjunto abstrato de reverberações fractais, explora formas orgânicas de grande impacto visual e força cromática. 

Suzete Venturelli é uma das artistas com presença nas instâncias da arte contemporânea brasileira que também produz NFT. É membro do comitê do prêmio PIPA, pesquisadora, artista e professora da Universidade de Brasília e Universidade Anhembi Morumbi/SP. Ela publicou livros sobre a arte e suas relações com a ciência e tecnologia. É curadora e recebeu prêmios como artista. 

Com mais de seis décadas nas artes visuais, Carlos Vergara entrou para o mundo digital com diversos trabalhos realizados em colaboração com Alexandre Rangel. Mike Deodato, quadrinista da Marvel, conhecido internacionalmente, entrou para o universo da cripto arte e foi lançado no ano passado na Metaverse Comics, braço da agência voltado para cartoons.  

O fotografo e designer Betto Gatti, com trajetória importante na publicidade e na moda, passou a fazer fotografia contemporânea e agora NFT's como a série “In art we trust”.

Na próxima semana, de 16 a 20 de março, na ArtSampa, a cripto arte tem encontro marcado com a arte contemporânea. Será possível conferir novos trabalhos dos artistas da Metaverse Agency. Na SP-Arte, de 6 a 10 de Abril, a Blombô, apresentará NFT's da galeria argentina Aura e holografias do artista Beto Gatti da Metaverse. Também será possível efetuar o pagamento das obras com criptomoedas. 

Fontes : 

https://www.christies.com/features/nft-101-collection-guide-to-nft-11654-7.aspx

https://www.bbc.com/portuguese/geral-56371789

https://www.bloomberg.com/news/articles/2021-02-26/cryptocurrency-millionaires-fuel-a-boom-i n-digital-art-market 

https://www.artequeacontece.com.br/so-se-fala-em-crypto-art-e-nft-art-mas-e-agora-o-que-e-iss o/

https://cryptoart.io/

https://www.sp-arte.com/editorial/do-que-falamos-quando-falamos-sobre-nfts/

https://exame.com/exame-in/nft-herdeiro-da-multiplan-cria-marketplace-de-criptoarte-no-brasil/

Este mês escolhemos tratar sobre a fotografia como técnica artística. Embora não haja uma clareza sobre a data da invenção da fotografia, é considerado que, em 1839, a imagem de View of the Boulevard du Temple tenha sido oficialmente a primeira fotografia. Tornando-se um dos marcos mais importantes de entrada no mundo moderno, juntamente com a revolução industrial e todas as invenções que fazem parte do nosso mundo hoje, como gravações de som, lâmpada elétrica e rádio.

A fotografia passou a ser o registro de tudo que aconteceu no desenvolvimento das sociedades nos dois últimos séculos. No decorrer da história foram diversos os estilos fotográficos - registros de família, arquitetura, cenas domésticas, eventos oficiais governamentais, transformações de paisagens e documentação de todos os avanços da ciência, tecnologia e indústria. A fotografia registrou o fenômeno das grandes migrações e aumento da população urbana.

Não é possível determinar os limites entre o fazer artístico e a utilidade quando falamos de fotografia. Por mais objetiva que seja sua função, existe um fator subjetivos por trás do equipamento - o olhar do homem.

Um dos fundadores do movimento dadaísta, Man Ray cria uma vertente totalmente livre e experimental para a fotografia, explorando até mesmo imagens em material fotográfico sem uso da máquina.

Ao longo do século XX surgiram inúmeros novos estilos como fotojornalismo, fotografia publicitária, moda, e fotografia contemporânea.

Alguns fotógrafos se destacaram ao fazer registros inéditos de fenômenos e momentos únicos de pessoas e lugares, como por exemplo, Nan Goldin que registrou, de forma pioneira, a intimidade da nova iorque dos anos 80, apresentando corpos LGBT de forma inédita, tornando-se mundialmente conhecida.

Martha Rosler, artista conceitual, realizou colagens com forte crítica social, explorando temas diversos. Na série House Beautiful:  Bringing the War Home usou imagens dos horrores da guerra do vietnam contrastando com pacíficas cenas domésticas oriundas da publicidade de eletrodómesticos.

Cindy Sherman criou uma narrativa única, transformando-se a si mesma em centenas de diferentes personagens e registrando as imagens.

No Brasil, um dos maiores fotógrafos documentais do mundo, Sebastião Salgado, fotografou de forma revolucionária, fenômenos de exploração social dos povos e devastação de paisagens.

Embora na primeira metade do século XX, muitas das bases da arte contemporânea já estivessem se constituindo, é apenas a partir da década de 80 que a produção se considera fotografia contemporânea.

A profusão de olhares, criações e narrativas instauradas com a liberdade da arte contemporânea permite que mais artistas surjam com criações poéticas, inovadoras e impactantes, construindo identidades totalmente novas com a técnica fotográfica. 

A Blombô reuniu uma seleção de obras de grandes nomes da fotografia contemporânea brasileira no marketplace e no leilão. São eles: Miguel Rio Branco, Lenora de Barros, Vik Muniz, Bob Wolfenson, Mauro Restiffe, Hélio Oiticica, Claudio Edinger, Claudia Jaguaribe, Claudia Andujar e outros.

Confira o acervo e se apaixone pelo mundo da fotografia!